Esta serie de televisión fue producto de los movimientos que protestaban por la violencia mostrada en los dibujos animados, a finales de los sesenta. Scooby-Doo es el personaje central de una franquicia propia que se inició en 1969, con una serie creada por los guionistas Joe Ruby y Ken Spears cuando trabajaban para la productora Hanna-Barbera. Su gran éxito se debe no solo a la implementación del misterio y el “horror” a una serie infantil, sino que además, el grado de violencia de la misma era sumamente bajo pero se las arreglaba para mantener a la audiencia entretenida con su humor y personajes diversos todos ellos adolescentes.
¿Scooby-Doo dónde estás? hizo su debut en CBS el sábado 13 de septiembre de 1969 a las 10:30 de la mañana, con su primer episodio, "What a Night for a Knight" (La Leyenda del Caballero Negro en su traducción), en el cual Scooby-Doo y sus amigos están buscando a un arqueólogo perdido, estando amenazados por un caballero blindado que se encuentra en un museo de aspecto tenebroso. Hay que destacar que sin razón aparente, se decidió que todos los episodios de la serie tomarían lugar por la noche, probablemente para acentuar el concepto de terror y misterio.
La trama de cada episodio de Scooby-Doo tuvo como fórmula una rutina que serviría para muchos otros en la serie. Al comienzo del episodio, el grupo se dirige o regresa de alguna actividad de adolescentes en la Máquina del Misterio, una camioneta decorada con Arte psicodélico al estilo Flower power pero su viaje se ve interrumpido por algún tipo de fantasma y/o monstruo que ha estado aterrorizando a los habitantes de la zona. Los adolescentes ofrecen su ayuda para encontrar la respuesta que hay detrás de todo, pero mientras buscan pistas, el monstruo los ataca y deben escapar. Cuando tienen las suficientes pistas determinan que el monstruo es un simple mortal que espanta por alguna razón en particular. Al final de cada episodio consiguen atrapar al "monstruo" y le despojan de su máscara/disfraz para descubrir finalmente quién es el bandido.
Scooby-Doo es una de las franquicias animadas más icónicas de la televisión norteamericana; que dio luz al género detectivesco juvenil en las series animadas y se expandió a lo largo de 30 películas animadas y especiales televisivos; y cuatro películas live-action (dos de ellas televisivas).
En Venezuela, fue transmitido por RCTV, inicialmente, y luego Televen lo retransmitió.
Heidi es una niña que, huérfana desde muy pequeña (y cuyo nombre verdadero es igual al de su madre, Adelaida), queda al cuidado de su joven tía Dete. Apenas la mujer encuentra una buena oportunidad de trabajo, lleva a la niña a vivir a la aldea de Dörffi en la comuna suiza de Maienfeld con su abuelo, a quien no conocía, y a quien los habitantes llamaban "El Viejo de los Alpes", por ser casi un ermitaño.
Heidi es cautivada por la vida en los Alpes, donde lleva un contacto directo con la naturaleza. Ahí conoce a Pedro, un chico que se encarga de pastorear a las cabras de los aldeanos, quien se convertirá en el mejor amigo de la pequeña y en su compañero de aventuras. Heidi vive feliz, pero alejada de la sociedad, pues su abuelo se niega a que acuda al colegio. La pequeña entabla sin embargo una gran amistad con la abuela y la madre de Pedro.
Un año después de terminada la primera novela, apareció la segunda parte, De nuevo Heidi, que narraba las aventuras de la niña, alejada de las montañas por su tía, quien la había hecho contratar para hacer de damita de compañía de una niña inválida, Clara Sesemann. Clara forma parte de una de las familias más importantes de Fráncfort, y sufre una vida de encierro, únicamente acompañada de la servidumbre y de la Señorita Rottenmeier, quien ejerce como su tutora, ya que tanto el padre como la abuela de Clara permanecen poco tiempo en la ciudad por motivos de negocios. El encierro y la rigidez en la educación terminan por deprimir a Heidi, pero crea fuertes lazos de amistad con Clara y su familia. El padre de Clara, consciente de la depresión de Heidi, decide enviarla de regreso a las montañas.
Heidi cambiaría la vida de la familia de Clara. Poco tiempo después de la partida de su amiga, Clara es enviada a visitarla a los Alpes, donde en medio de los bellos paisajes y rodeada por el cariño del abuelo, de Pedro y de Heidi, consigue caminar, cambiando su vida por completo.
Los temas musicales de la serie para latinoamerica fueron interpretados por la actriz de doblaje y cantante mexicana Cristina Camargo, quien ademas dobló la voz de Heidi y fue la narradora en este doblaje. En Venezuela, esta serie fue transmitida primero en Venevisión, despues por el desaparecido canal de televisión RCTV a las 4 de la tarde y Televen la retransmitió hace como 10 años
Si pudiera resumir esta historia en pocas palabras les diría
que la serie cuenta la historia de una niña huérfana de nombre Candy, una niña
buena, optimista y con un gran corazón. Cuando era pequeña, vivió en un
orfanato llamado "El Hogar del Pony". Después Candy fue adoptada por la familia Leagan, en la cual
están sus hermanastros malvados, Elisa y Neil, los cuales se confabularon
durante toda la serie para hacerle la vida de cuadritos. Un día, en el jardín de rosas, el amor llegó a su corazón: conoció
a un chico idéntico al "príncipe de la colina" a quien conoció de
pequeña y que se llamaba Anthony. Después de esto, empieza una fantástica
historia que ella nunca hubiese imaginado.
El tema de Candy fue mu pegajoso, Sonaba así:
SI ME BUSCAS, TU A MI, ME PODRÁS ENCONTRAR
YO TE ESPERO A TI AQUÍ, ESTE ES MI LUGAR,
SI QUIERES REIR, DESCUBRE LA ALEGRIA DE SOÑAR,
UN MUNDO DE AVENTURAS SIN IGUAL
JUNTO A MI,
A TU AMIGA CANDY!!!!!…..
La historia más o menos completa de Candy comienza con una
niña abandonada que llega a un orfanato junto con otra bebé llamada Annie. El
Orfanato se llama el Hogar de Pony. Alli Candy crece en compañía de los niños
del hogar y de JAnnie, quien se convierte en su mejor amiga, hasta que se separan cuando Annie es adoptada
por una familia millonaria llamada Andley. Se escriben varias veces hasta que
Annie le dice que no lo hará más porque su remilgada madre adoptiva le ha dicho
que sus amistades no deben enterarse que tiene amigos en un orfanato. Cuando
recibe la carta, Candy corre a la colina de Pony, y a los 10 años tiene su
primer encuentro con el Príncipe de Colina que le dirá una de las frases más
famosas de la serie: "¿Por qué lloras? Eres mucho más linda cuando te ríes
que cuando lloras". El Príncipe de la Colina es Albert, un joven ermitaño,
quien se convierte en su gran amigo desde que le salva la vida al rescatarla
cuando estaba a punto de caer en una cascada. Albert siempre la ayudará en sus
peores momentos. Es el primer amor de Candy, y el primer amor nunca se olvida.
Después Candy será adoptada por una familia de dinero, los Leagan,
como dama de compañía de Elisa. Esta era una malvada joven, quien junto con su
hermano Neal le hace la vida imposible a Candy. Sin embargo, una joven dulce como
Candy pronto hace amigos, para su suerte conoce a Stear, Archie y Anthony.
Las desventuras de Candy comienzan cuando es acusada del
robo de una cinta que le ha dado Annie. Por esto es mandada a México donde la raptan.
Después logra escaparse y regresar, es adoptada por los Andrey a petición de
ellos hacia el Bisabuelo William.
Estos fueron días de dicha para Candy… Anthony y Candy están
enamorados, ella cree que es el príncipe de la Colina. Anthony conquisto a
Candy con mucha ternura, la protegía, la hacía sentir única y tenía detalles
con ella. Pero el día de su presentación como miembro de la familia, Anthony
cae del caballo y muere, dejando a Candy sumida en un profundo dolor…
Candy es enviada a Londres a estudiar en el Colegio San
Pablo y en el barco conoce a Terry, hijo de la actriz Eleonor Baker, a quien inicialmente
confunde con el fantasma de Anthony.
Terry es el típico hombre rebelde y testarudo con el que
toda mujer se ha topado alguna vez en la vida y que, con la esperanza de
redimirlo, sigue a su lado para rescatarlo del camino de la perdición; Terry se
portará siempre irrespetuoso con ella. Le decía Tarzan pecosa, por la habilidad
de Candy de subirse a los árboles.
Todos
van al Colegio incluyendo a Eliza y Neal, quienes siguen en su trabajito de
hacerle la vida imposible a Candy, tendiéndole una trampa por la que Candy es expulsada del Colegio. Terry demuestra
su amor y acepta la culpa por Candy, la Hermana Grey acepta y la confina. Candy
se entera del sacrifico de Terry y deja el colegio sabiendo que no necesita
estar ahí para ser una dama.
Luego se enfrasca en una serie de aventuras tratando de
alcanzar a Terry en América en varias ocasiones pero no lo consigue, siempre
llega tarde. Se convierte en enfermera en el colegio de Marie Jean, va al
frente en la primera Guerra Mundial después regresa y le toca cuidar a Albert
quien llega herido y con Amnesia.
Terry se hace actor, va a presentar se en
Chicago , Candy sabe y lo busca, Susana Marlowe la actriz con la que comparte
roles se lo niega prque está obsesionada con Terry y cuando Susana pierde una
pierna por salvar a Terry cuando están por caerle unas luces del teatro, él
siente culpa y se queda con Susana.
Todos soñábamos con el “vivieron felices
por siempre” entre Terry y Candy, pero los valores inculcados en nuestro
rebelde le impidieron abandonar a Susana, la chica que sacrificó su pierna por
salvarle la vida, creando una deuda de honor.
Después de esto, Candy regresa al hogar de Pony para sufrir
muchas más penurias, entre ellas la muerte de Stearr en la guerra. Neil
descubre que está enamorado de Candy, Eliza planea que se casen para heredar la
fortuna del bisabuelo Williams. Cuando Candy pide hablar con el Abuelo Williams
para rogarle que no la case con Neil, descubre que en realidad el Abuelo
Williams es Albert. Él le dice que no se preocupe. Entonces se celebra una gran
fiesta con todos sus amigos, y Candy ve a lo lejos a su príncipe de la Colina
vestido de escocés tocando la Gaita, y si efectivamente, SORPRESA, es Albert…..
Una gran historia de amor y perseverancia como la de Candy, para un público infantil y preadolescente que nos acercó de forma
inusual a lo complicada que puede ser la vida. Y es que como un dato curioso,
hay que decir que la serie tuvo que ser censurada en países tan abiertos como
Francia y Canadá por prevenir traumas a la audiencia infantil en la escena de
la muerte de Anthony.
El tema de despedida de cada capitulo también era muy hermoso
MacGyver es una serie de televisión estadounidense cuyo protagonista es el personaje homónimo interpretado por Richard Dean Anderson, un curioso personaje al servicio de la "Fundación Phoenix" que siempre trata de ayudar a los buenos y acabar con los malos y, además, sólo usando su inteligencia puede hacer mucho. La serie comenzó en 1985 y duró 7 años en el aire.
La fama de MacGyver viene de su habilidad para improvisar cualquier artilugio con elementos simples y de lo más variados: chicles, clips, mecheros, neumáticos, etc. y su inseparable navaja suiza multiusos. Es un agente secreto cuya arma más peligrosa es su inteligencia. Con tan sólo su mochila repleta de diversos objetos normales y corrientes, siempre es capaz de fabricar toda clase de elementos y escapar de todos los peligros que se topan en su camino, tanto en sus diversas misiones como en su vida cotidiana. Era impresionante ver como con una caja y un ventilador, podía construir un helicóptero. El personaje tiene parte de boyscout y otra parte de genio.
Nunca usa armas de fuego y siempre evita matar a alguien. Esta aversión a la utilización de armas (al menos en el sentido más tradicional), fue debido a un incidente que sufrió de pequeño y terminó con un amigo suyo muerto. Sin embargo, este rasgo de su personalidad fue incorporado cuando la serie ya estaba empezada. En el piloto, por ejemplo, se lo puede ver disparando una AK-47. Y en el episodio 10 de la primera temporada, mantiene prisioneros a dos secuestradores apuntándoles con una pistola. Casi nadie recuerda de Macgyver que su nombre de pila era Angus y que le temía a las serpientes.
En Venezuela, la serie fue transmitida por el desaparecido canal radio Caracas televisión
El crimen organizado y el terrorismo están arrasando la ciudad de Los Ángeles. Preocupado con el aumento de la violencia, el comisario de Policía crea el S.W.A.T - Special Weapons and Tatics (División de Tácticas y Armas Especiales) -, un grupo que entrará en escena cuando los recursos de la Policía tradicional no sean suficientes para resolver la situación. Liderando el grupo está el teniente Dan Harrelson, un hombre obstinado en resolver los casos usando el mínimo de violencia posible. Junto a él están el sargento David Kay y los policías Jim Street, Dominic Luca y T. J. McCabe. Con este grupo entrenado y armado con el mejor equipamiento fabricado para el combate al crimen, Los Ángeles puede transformarse en un lugar más seguro para vivir.
Aunque fue una serie de corta duración, se convirtió sin duda en una de las series mas populares en la década de los setenta, cuando nos mostraba las peripecias de un equipo de operaciones especiales de una ciudad californiana sin especificar. Parte de su éxito se debe a la pegadiza sintonía escrita por Barry deVorzon, y que en la versión del grupo funk Rhythm Heritage consiguió llegar al numero uno de las listas de éxitos musicales, el famoso Billboard, y que podemos recordar con la introducción de la serie.
El equipo de asalto SWAT está formado por cinco miembros, al mando del teniente Harrelson que dirige las operaciones y traza los planes de asalto, para acabar con los malandros de turno y liberar a los rehenes o inocentes implicados. Sus hombres se reparten las tareas, el segundo al mando es un sargento de color, Deacon, experto en la lucha cuerpo a cuerpo, dos agentes, Street y Luca, capaces de escalar y descolgarse por cualquier lugar para entrar por sorpresa al escenario del delito y el equipo lo completa con un experto francotirador, T.J, capaz de darle al centro de una moneda a centenares de metros de distancia. Había una frase muy famosa en la serie, cuando el teniente Harrelson decía: "TJ al tejado" para indicar que tomara posición en la altura para controlar todo.
La serie en su momento fue muy controvertida por las elevadas dosis de violencia gratuita que contenía, y que tuvo el honor de ser la pionera en recibir una campaña en su contra, como ejemplo para reducir la violencia en la pequeña pantalla. Aun con la enorme audiencia que tenia, los grupos que se formaron para denunciar la excesiva violencia de la misma, empezaron a incomodar a los anunciantes y a la propia cadena ABC. Por ello al finalizar su segunda temporada, la cadena decidió que los males de cabeza que le daba no le compensaban los posibles beneficios y decidieron cancelarla de forma silenciosa.
Pero en aquella época de mis años de chamo, no voy a negar que era una serie que me encantaba, con sus dosis de acción, multitud de tiroteos y disparos que me entretenía como pocas cosas en la televisión y no solo a mi, sino a casi todo el país.
Aqui les dejo la introducción, con su pegajoso tema musical
Durante muchos años, Radio Caracas Televisión, transmitía los cortos de un trío que hacía reír por su comicidad basada en la violencia física y en el juego de apuestas. Se conocieron como “Los tres chiflados” (The Three Stooges en inglés).
Los Tres Chiflados (The Three Stooges), fue un grupo cómico estadounidense, activo entre 1922 y 1970. El grupo de actores se mantuvo en activo desde 1922 hasta 1970, siempre como un trío, donde Moe y Larry estuvieron hasta el final, mientras que el tercer componente fue cambiando por diversas circunstancias. La larga permanencia del trío en actividad (cuarenta y ocho años) se debió no solamente a su popularidad fundamentada en su humor agresivo y verbal, sino en el lamentable hecho de que, por disposiciones contractuales, los Tres Chiflados no fueron propietarios de su obra sino meros empleados a tanto por semana. Cabe destacar que los Tres Chiflados tuvieron gran éxito mundial, pero nunca recibieron un aumento en Columbia: cuando firmaron con el estudio en 1934, cada miembro (Moe, Larry, y Curly) hizo alrededor de 20.000 dólares al año. Veinticuatro años más tarde, después de casi 200 películas, el salario de los Chiflados seguía siendo el mismo. Esta circunstancia los obligó a actuar incansablemente hasta que las enfermedades, la vejez o la muerte los alejaron del cine. Fueron muchos cortos, 190 para ser exactos para la Columbia Pictures, primero en el cine y que luego pasaron a la TV, medio que les dio a conocer a las generaciones de mi época y aumentó aun más su popularidad.
Los Tres Chiflados comenzaron con las ambiciones artísticas de dos hermanos de Brooklyn, Nueva York, de origen judío: Samuel y Harry Moses Horwitz que estudiaban plomería y electricidad en la Escuela de Artes y Oficio de Nueva York, aunque la vocación de ambos era el teatro. Harry Moses se llamaría "Moe" y Samuel pasó a ser "Shemp". Ambos continuaron actuando en vodevil, junto a un viejo amigo Ted Healy, quien le da el nombre al espectáculo: Ted Healy and his stooges. Mantuvieron cierta fama en los teatros de Nueva York con sus actuaciones . En 1925, al grupo se une Louis Feinberg, quien tomaría el nombre artístico de Larry Fine “Larry”.
Está fama en el vodevil, hace que en 1930 la Fox, se fije en ellos y debuten ese mismo año en el cine con una comedia: Soup to Nuts (Sopa para locos). Ese debut hizo que Shemp se quedara en el cine mientras que Ted, Moe y Larry continuaron en el teatro. Pero el espectáculo no era igual sin el tercer “chiflado” por lo que Moe propone a Ted incorporar al menor de los hermanos Horwitz: Jerome Lester, que tenía una larga cabellera rizada y un bigote estrafalario. Tom Healy le sugirió que posiblemente una afeitada de su larga cabellera beneficiaría el espectáculo. Jerome accedió, eliminado el bigote y rapándose el pelo. De esta forma nació “Curly”, nombre con el que será recordado. Creo oportuno aclarar que para mi, Curly era mi favorito., porque era como un niño grande. No obstante, Shemp fue un gran favorito del público, y prueba de ello es el rating del que gozó la serie mientras realizaba sus apariciones en escena, tanto antes como después de la aparición de su hermano Curly.
La primera vez que el trío aparece en el cine como Moe, Larry y Curly fue en 1934, en cortometraje musical “Woman haters” (los odiamujeres) un nombre que en estos tiempos hubiese levantado mucho revuelo, pero era una critica a la misoginia. Desde entonces y durante 12 años se produjeron los cortos para Columbia Pictures. Según la critica especializada, fue la mejor época de los chiflados, con libretos sólidos y situaciones hilarantes.
Curly tenía problemas de alcoholismo, ademas de una vida muy disipada, lo que le llevo a problemas de salud. En 1946, un accidente cerebro vascular durante la filmación de uno de los cortos, hizo que Shemp regresara al trío. Shemp se había separado en 1930, continuando en solitario su carrera en el cine. Trabajo como secundario en muchas de las películas de Abbot y Costello. Curly no se recuperó completamente del episodio cerebral, pero pudo aun superar su hemiplejia y rodar un corto en 1949 junto a Moe Larry y Shemp llamado “Hold That Lion”. Es el único corto, donde los hermanos Howard y Larry aparecen juntos. Curly muere en 1952.
Moe, Larry y Shemp realizaron entre 1947 y 1955, 77 cortos, donde realmente la estrella era Shemp, que aportaba su experiencia de actor y sus dotes de comediante. Shemp muere sorpresivamente en 1955 quedando 4 cortos por realizar. Pensando que con la muerte de Shemp podía poner punto final al trío, tomaron la decisión de “personificar” a Shemp. El actor Joe Palma apareció en los cortos que quedaban entre 1955 y 1956 escondiendo el rostro o desapareciendo de la acción de forma inexplicable. Fueron tiempo de malos libretos y malos montajes...
En 1956 Joe Besser fue el tercer integrante del trío. Besser había trabajado con Shemp en diversas películas. Sin embargo era un humor distinto. Algunos críticos se refiere a está época como la de menor calidad del grupo. Besser tenía un humor “blanco” pero definitivamente creó su propio estilo dentro del trío, sin imitar a Curly y Shemp. La enfermedad de su esposa en 1957 hizo que dejara al grupo tras haber realizado 16 cortos. Para entonces Columbia Pictures cerraría su sección de cortometrajes.
Desde 1958 Curly Joe (Joseph Wardell) sustituye a Joe Besser. Es entonces cuando comienza la era de los largometrajes de los tres chiflados. Algunas de las películas de aquel período: Los tres chiflados conocen a Hércules (1962), Los Tres Chiflados en el Espacio (1962). Vienen los forajidos (1965), en está última película actúan con quien posteriormente se convertirá en Batman (Adam West). En 1961 filman Blancanieves y los tres chiflados la única película a color del trío. Durante esa época aparecieron en la película “El mundo está loco, loco, loco” (1963) y en “4 for Texas” (1964) junto a Frank Sinatra y Dean Martín.
En 1965 se produce el salto a través de una serie de dibujos animados con sus personajes a la que ellos le prestaron su voz. La serie se llamaba “The New 3 Stooges”. Y era que su aspecto envejecido y poco gracioso, ya empezaba a disgustar a sus seguidores.
Larry tuvo un ictus que le dejo imposibilitado para seguir trabajando. Muere en enero de 1975. Moe muere en mayo del mismo año. Joe muere en 1988 y Curly Joe en 1993.
Efectos de sonido
El uso de efectos de sonido representó un ingrediente importante para complementar las carencias y los espacios en blanco dejados por una era en la que los efectos especiales dejaban mucho que desear. Un buen ejemplo sería cuando Moe golpea con un martillo a sus compañeros chiflados, algo que se conseguía al impactar esta herramienta contra un objeto macizo o rígido, dando a entender al televidente que los personajes eran cabezadura o, en muchos casos, incluso huecos de cerebro. Los tambores se usaban para ocasionar el sonido producido ante el golpe ficticio a las zonas bajas del cuerpo, y el violín hacía lo propio para representar al típico piquete de ojos. Cuando determinadas extremidades como los dedos de las manos o de los pies, o la misma nariz eran mordidas, pellizcadas o presionadas, un ruido parecido al ocasionado tras partir una nuez acompañaba de fondo. De alguna manera, el ingenioso uso de estos efectos de audio fue lo que propició, en gran medida, el éxito del espectáculo, ya que el prescindir de ellos podría haber desembocado en algo monótono y prejuzgado de violento.
Aquí les dejo la presentación de uno de sus cortos
La mítica banda británica Queen visitó Venezuela en el año 81 para dar una serie de conciertos en el Poliedro de Caracas el 27 de Septiembre de 1981. Este concierto correspondió a la segunda parte de la gira sudamericana realizada por Queen en el año 81. En un principio, Queen tenía contemplado hacer 5 conciertos en Venezuela, pero el fallecimiento del ex-presidente venezolano Romulo Betancourt ocurrido el 28 de septiembre de aquel año, termino por suspender el concierto de ese día y el resto de la gira.
Yo tenía 16 años, y me tocó viajar 16 horas en autobús desde La Grita Estado Tachira, donde estudiaba interno en el Liceo Militar Jauregui. El estudiar en el liceo me ayudó, porque estábamos autorizados para viajar solos aunque éramos menores de edad, y además me permitió “chapear” a la entrada porque inicialmente estaban exigiendo ser mayor de edad para entrar al concierto (después permitieron la entrada de menores con representantes).
Asistí al concierto del día 27 de septiembre de 1981, y recuerdo que al otro día, mientras me embarcaba en el autobús para las 16 horas de regreso, me enteré de la noticia del fallecimiento de Rómulo Betancourt, expresidente de Venezuela, y que por esto se suspendió el resto de la gira en el país.
Las canciones que tocó Queen en aquel concierto fueron:
We Will Rock You, Let me Entertain You, Play the Game, Somebody to Love, Killer Queen, I’m in Love with my Car, Get Down, Make Love, Need Your Loving Tonight, Save Me, Now I’m Here, Dragon Attack, Now I’m Here (Reprise), Love of My Life, Do You Feel It’s Allright, Keep Yourself Alive, Instrumental Inferno, Flash’s Theme, The Hero, Crazy Little Thing Called Love, Bohemian Rhapsody, Tie Your Mother Down, Another One Bites the Dust, Sheer Heart Attack, We Will Rock You, We Are the Champions, God Save the Queen
Aqui les dejo un enlace, para que vean el concierto completo
Posteriormente
a Ultraman, aparecería un nuevo héroe de la serie ultra: Ultraseven, quien, a
diferencia de Ultraman, tenía un aspecto un poco diferente: los ojos como
lámparas en forma trapezoidal, distintos de la forma ovalada de Ultraman,
además de una gran cresta en la cabeza, idéntica en su forma a cascos guerreros
que usaban los antiguos capitanes espartanos y griegos, y que podía lanzar como
una especie de afilado que puede ser lanzada como si fuera una guillotina
voladora, la cual termina por cercenar a sus enemigos (uno de los detalles más
recordados de la serie). Considerando la ingenuidad de la televisión infantil
de aquel entonces, ver al héroe mutilando a sus enemigos debía ser una
experiencia traumatizante. tal vez por eso fue motivo para que las autoridades venezolanas, por decisión del Ministerio de Comunicaciones la sacaran del aire.
La
historia, por cierto, era básicamente la misma de Ultraman: Ultrasiete es
originario de Nebula M-78. Al llegar a la Tierra, haciendo trabajos de
cartografía sobre nuestra galaxia, ve a dos hombres que estaban realizando
alpinismo, y uno de ellos estaba a punto a caer. Cuando la soga que los
sostenía no podía seguir aguantando el peso de ambos, el otro, decide
sacrificarse cortando dicha soga para que su amigo sobreviva, pero antes de
caer, es salvado por Seven. Éste, para honrar el valor del humano, decide
copiar su forma física, transformándose así en un doble de él, tomando el
nombre del "Dan Moroboshi"
Dan
se une al Escuadrón Ultra, el cuál se dedicaba a combatir los ataques
extraterrestres. El escuadrón estaba conformado por los que serían sus futuros
compañeros, entre los que destaca Anne, la que sería su mejor amiga, y quien
con el tiempo terminaría enamorada de él. El resto del equipo estaba formado
por los agentes Amagi, Soga, Furuhashi, y el Capitán Kiriyama, entre otros.
Para
combatir a los aliens, Dan Moroboshi se convertía en Ultraseven, un temible
guerrero de 40 metros de altura, cada vez que el peligro acechaba, pero en
lugar de ingerir las cápsula beta como Hayata, sólo debía ponerse unos lentes
especiales con bordes de color rojo. Todos los niños de entonces soñábamos con
tener estos lentes.
Ultrasiete
tenía una infinidad de técnicas, pero la que más destaca es la cuchilla que
lleva en su cabeza, la cual lanza a su enemigo. A diferencia de Ultraman, éste
no tiene un tiempo de pelea limitado, pues los rayos del Sol le dan su fuerza. Además
Dan Moroboshi contaba con unas pequeñas cápsulas, donde guardaba unas bestias
para que combatieran contra los monstruos por si algo le imposibilitaba
transformarse. Estas eran Widman, Miclas y Agira. Pero la verdad es que estos
monstruitos no duraban mucho, ni derrotaron nunca a nadie.
Las
historias de Ultraseven, a diferencia de las de Ultraman, eran un poco más
oscuras, su sello era la noche, era de las pocas series que se filmaban en la
noche al aire libre, lo que no impidió que se transformara en una de las
preferidas del público infantil de los años 70’. La diferencia fundamental con el resto
de la serie Ultra reside en los dilemas morales que Ultraseven debe enfrentar
en sus combates. Es, por cierto, una serie mucho más explícita en cuanto a
violencia que su predecesora.
La
serie no contó con el apoyo de rating deseado. Decidido a un impasse, el 8 de
setiembre de 1968 se emite el último capítulo con miras a sellar la historia (y
poder regresar a las fuentes de Ultraman). Ahora Ultraseven se enfrenta a su
peor y más letal amenaza, la cual lo ha dejado seriamente lastimado. Mientras
Moroboshi se recupera en el hospital, un miembro del escuadrón Ultra es
secuestrado por los alienígenas, quienes controlan su mente y lo utilizan como
interlocutor ante la humanidad. Lanzan un plan de destrucción masiva que arrasa
en cuestión de minutos las principales capitales del mundo, aniquilándolas con
misiles que atraviesan el interior de la Tierra. Sin tiempo de recuperarse, Moroboshi
decide convertirse en Ultraseven pero antes le revela su secreto a Anne.
Habiendo recibido una alerta del planeta Nebula M-78 (donde le advierten que su
energía es muy baja y puede morir), se transforma en Seven y termina por
derrotar a los aliens. Pero ya se encuentra muy débil como para permanecer en
la Tierra y, ante la sentida despedida de los miembros del equipo, sale volando
hacia el espacio, hacia su planeta natal. En su partida queda una luz similar a
una estrella, el último regalo que Dan le ha hecho a Anne. Suena la canción de Ultrasiete, y es el fin de una de las mas sentidas series de mi infancia. Pero estaremos felices, sabiendo que desde Nebula M-78 Ultraseven nos observa y nos defenderá de una invasión extraterrestre
Ultraman
era una serie japonesa de 39 capítulos. Se transmitió por primer vez en 1966 en la tierra del sol
naciente. A Venezuela llegó a finales de los 70 a Radio Caracas Televisión.
Todo
comienza una noche cuando Hayata una especie de policía espacial iba patrullando
en su avión, cuando de pronto ve un meteorito pasándole al frente y detrás de
él venía Ultraman quien se estrella con el avión, matándolo desafortunadamente.
Es entonces cuando Ultraman decide resucitar a Hayata y lo conmina a proteger a
la humanidad indicándole que ahora él y Hayata serán uno sólo. También le
indica que cada vez que necesite de transformarse en Ultraman necesitará de
utilizar una cápsula llamada "cápsula beta" sobre todo cuando los
monstruos estuviesen destruyendo todo.
De ese modo, a Hayata sólo le bastaba tomar
las cápsulas beta para convertirse en Ultraman, un héroe de gran tamaño que usaba
un traje terminado en colores plata y rojo, colores que caracterizaron a la
mayoría de los ultras. Aunque los capítulos se grabaron en color, en esta época
en Venezuela los capítulos se veían en blanco y negro, así que lo de los
colores lo supimos después, cuando llego la televisión a color.
La
fusión se debía a que Ultraman no podía permanecer en nuestra atmósfera por más
de tres minutos, sino su energía se acabaría y moriría. Y así comenzarían las
aventuras de Ultraman usando como “anfitrión” (host) a Hayata, miembro de la
Patrulla Científica.
Ultraman tenia como su arma característica un potente rayo que salia de su antebrazo, y de su pecho, amen de su extraordinaria fuerza.
En el episodio 39 Ultraman es derrotado por el
monstruo Zetton. Los miembros de la patrulla cientifica se las ingenian para destruir a
aquel monstruo y luego hace su aparición Zoffy, un ser idéntico a Ultraman que
llega para llevarlo de regreso a su planeta natal en Nebula M78. Para esto, le
da una vida extra que tenía a Hayata y lo separa de Ultraman.
Este es el Intro Latino, con la canción en español
Una
de esas series japonesas que nos entretenía en las tardes, era la de Monstruos
del Espacio. Luego de hacer las tareas, nos instalábamos frente a la tv para
viajar a los mundos de fantasía de estas series con nuestra imaginación.
Monstruos
del Espacio nos contaba la interminable lucha de Goldar y familia (los buenos)
contra Rodak y sus monstruos (los malos). Rodak, aterriza en Tokio y contacta
al reportero Tom Mura para dar a conocer al mundo que gobernara el planeta. El
hijo de Tom, Niko, es ubicado por el robot Goldar, que vive en un volcan junto
a su esposa-robot Silvar, ambos creados por un viejito llamado Matúsen. Matúsen
crea una copia robot de Niko a quien llama Gam, para darle un hijo a Silvar y a
Goldar.
Niko
recibe un silbato para comunicarse con sus nuevos amigos (un pitido para Gam,
dos para Silvar y tres para Goldar) y a partir de allí empieza la batalla.
Todos los robots podían transformarse en cohetes con cabinas incluidas: Goldar
era el líder y el más poderoso y podía lanzar poderosos misiles de su pecho, y
rayos desde las natenas de su cabeza.
Rodack
tenía unos secuaces a quienes llamábamos los uyuyuy porque era lo único que decian: uyuyuy, uyuyuy, uyuyyuyyyyy. eran unos extraños monstruos vestidos de capucha negra y que cuando eran destruidos, se derretian en una plasta que se regaba por el piso.
Dice
mi mamá que muchacho no es gente, y por aquello del desparpajo propio de la
juventud, llamábamos Goldar a aquel amigo que tuviera una novia no agraciada,
(feita pues), y para burlarnos de este amigo, cuando llegaba a cualquier sitio, retumbaban los
silbidos como si estuviéramos llamando al Gigante de melena.
La
serie fue creada en el año 1966. Se produjeron un total de 52 episodios de 30
minutos de duración. En Venezuela fue transmitido por RCTV de lunes a viernes
por las tardes durante los setentas y ochentas. Monstruos del Espacio fue la
primera serie japonesa no animada de robots que se emitió en colores. La serie
contaba con poco presupuesto. Dado esto, se tuvo que filmar a los personajes
desde varios ángulos y con peleas en varios capítulos para no tener que hacer
nuevos disfraces.
Aqui les dejo el video con el Intro de Monstruos del Espacio
El año 1977 iba a terminar a lo grande. Nile
Rodgers y Bernard Edwards los creadores de la Banda Chic echaron un vistazo a
sus armarios, sacaron sus mejores galas, buscaron sus zapatos más elegantes y
se arreglaron para aquella Nochevieja inolvidable. Durante esa fría noche del
31 de diciembre, los músicos iban muy felices. Merecía la pena. Mientras
cualquiera enumera mentalmente sus propósitos para el año que está a punto de
entrar, el guitarrista y el bajista, cerebros de Chic, tenían la seguridad de
empezar 1978 con la oportunidad de sus vidas. Por esa época, Chic se estaba
haciendo un nombre; el grupo había debutado en 1977 con un álbum homónimo
repleto de temas bailables como ‘Dance, dance, dance (Yowsah, yowsah, yowsah)’
o ‘Everybody dance’.
Esa última noche del año, Rodgers y Edwards se
encontraban a la puerta de la legendaria discoteca Studio 54, el templo de la
música disco en Nueva York, para reunirse al otro lado con una auténtica diva.
La mismísima Grace Jones les había citado, y que una figura como Jones
estuviera interesada en ellos era una buena noticia para el grupo, por lo que
su futuro estaba al otro lado de la puerta del Studio 54. Sin embargo, las
cosas nunca salen como uno se lo espera y Nile Rodgers recordó lo que sucedió
cuando les llegó el turno en la cola de la entrada: “Grace Jones no había
dejado nuestros nombres en la lista y el portero no nos dejó entrar. El Studio
54 era así. Quizá nuestra música estuviera sonando dentro, pero el local estaba
lleno en Nochevieja y nosotros estábamos al comienzo de nuestra carrera”.
Las expectativas de ambos se fueron por la borda,
así que tras quedarse con la miel en los labios, no tuvieron más remedio que
buscarse un plan alternativo: “Mi apartamento estaba a una manzana, así que
Bernard y yo fuimos allí para sofocar nuestros lamentos. Cogimos un par de
botellas de champán de la tienda de bebidas de la esquina y fuimos a mi casa,
enchufamos nuestros instrumentos y empezamos a improvisar”. Para Rodgers, coger
los instrumentos era la forma ideal de exorcizar el sabor amargo de la noche:
“La música no solo era nuestro medio de vida, también era nuestro
entretenimiento y nuestro recreo. Y como nos sentíamos mal, tocamos música para
hacernos sentir bien”. Lo que comenzó como un divertimento, algo para no
sentirse tan mal al acabar el año, derivó en un ritmo que les gustó: “Empezamos
a improvisar el ahora famoso riff, Bernard y yo éramos especialmente buenos
haciendo riffs e improvisando juntos. Solíamos improvisar y escribir canciones
de esa manera, a veces echábamos mano de ideas que flotaban alrededor. En ese
caso, el riff fue supersencillo, no lo habíamos planeado. No es que lo tuviera
guardado. Simplemente fue algo que surgió. Siempre me gustó la canción
‘Sunshine of your love’ y quería componer una canción con un riff para Chic,
aunque no un riff totalmente lineal, eso no sería típico de Chic, así que
añadimos un pequeño punteo y comenzamos a cantar”. Las palabras que acompañaron
al nuevo riff expresaban perfectamente cómo se encontraban Rodgers y Edwards
después de que la más importante discoteca del momento les hubiera dado con la
puerta en las narices: ‘Fuck off’ (‘Que os den’). “Estábamos muy cabreados por
lo que había pasado”, explicó el guitarrista de Chic. “Era el Studio 54, era
Nochevieja, era Grace Jones y llevábamos puestos los trajes más caros que
teníamos (en aquel entonces, a finales de los setenta, nuestros trajes podían
costar un par de miles de dólares cada uno) y nuestros zapatos más lujosos se
habían empapado caminando sobre la nieve. Así que ‘Fuck off’ fue una canción
protesta, y pensamos que era muy buena, ‘Aaaah, fuck off!’. Tenía química.
Pensé: ‘Este puede ser el himno de todo el mundo al que deja tirado un taxista
o de cualquier chaval que quiere decírselo a sus padres’”.
Pero por mucho que a Nile Rodgers le gustara su
nueva canción protesta, encontró un problema en las palabras empleadas: “Fue un
par de años antes del hip hop, no podíamos decir eso en la radio así que lo
cambiamos a ‘Aaaaah, freak out’”. Además, según Rodgers, Edwards tampoco estaba
convencido: “Yo era un ex Pantera negra, pero Bernard era religioso”. Para
llegar de ‘Fuck off’ a ‘Freak out’, tuvieron que darle varias vueltas: “Tuvimos
que rediseñar la canción para completarla con ‘Fuck off’. Hay que recordar que
no lo pensamos antes de sentarnos y tocar. Una vez nos sentamos y tocamos y
empezamos a cantar ese gancho, sonaba bien; tan bien como ‘freak out’. De
hecho, si no hubiéramos llegado a ‘fuck off’, nunca habríamos escrito ‘Freak
out’ y otra canción se habría convertido en nuestro gran éxito. Estábamos
gritando: ‘Aaaaah, fuck off!’. Bernard y yo a menudo escribíamos el gancho de
la canción primero, y una vez que teníamos un estribillo que valía la pena,
seguíamos con el resto de la canción. Así que esa noche pasamos de ‘fuck off’ a
‘freak out’”. No obstante, el guitarrista no estaba del todo convencido de esta
transición: “Primero, cambiamos ‘fuck off’ por ‘freak off’ y fue horrible. Estábamos
cantando y nos tropezábamos con el ‘freak off’, porque quedaba pobre en
comparación. Y de repente me vino. En un segundo, se me encendió la bombilla y
canté ‘Aaaaah, freak out!’”.
Finalmente, el tema se tituló ‘Le freak’ y sirvió
como single para el segundo álbum de la banda, “C’est Chic”, publicado en 1978.
Y aquella canción con la que Chic pretendía mandar al carajo al Studio 54 se
convirtió en uno de los temas más destacados de la música disco, un single
rompepistas que no podía faltar en la discoteca neoyorquina que poco antes les
negó la entrada. La reputación del tándem Rodgers-Edwards creció y Nile Rodgers
acabaría colaborando con artistas y grupos de lo más variado: Sister Sledge,
Diana Ross, David Bowie, Madonna, Deborah Harry, INXS, Duran Duran, Olé Olé,
Pharrell Williams o Daft Punk. A pesar de aquella mala experiencia de la
Nochevieja de 1977, Nile Rodgers y Grace Jones finalmente trabajaron juntos, en
el álbum de la cantante “Inside story”, publicado en 1986. Casi tuvo que pasar
una década para que Rodgers y Jones se reencontraran. Si el guitarrista se
sintió molesto por no poder entrar en el Studio 54, ¿cómo pudo sentirse Jones
al comprobar que aquella Nochevieja le habían dado plantón a una diva como ella
dos músicos por entonces semidesconocidos?
¿Scooby-Doo dónde estás? hizo su debut en CBS el sábado 13 de septiembre de 1969 a las 10:30 de la mañana, con su primer episodio, "What a Night for a Knight" (La Leyenda del Caballero Negro en su traducción), en el cual Scooby-Doo y sus amigos están buscando a un arqueólogo perdido, estando amenazados por un caballero blindado que se encuentra en un museo de aspecto tenebroso. Hay que destacar que sin razón aparente, se decidió que todos los episodios de la serie tomarían lugar por la noche, probablemente para acentuar el concepto de terror y misterio.
